Pourquoi « BADGE 373 » s’intitule-t-il « POLICE CONNECTION » en v.f. ? C'est très simple : le scénario s’inspire, comme le film de William Friedkin de la vie du policier Eddie Egan. Celui-ci fut d’abord incarné par Gene Hackman et deux ans plus tard, il l’est par Robert Duvall, même si le personnage ne porte pas le même patronyme. Ceci dit, les deux films ne combattent pas dans la même catégorie.

Par sa facture, son utilisation du son direct, sa photo « sale », sa BO, « POLICE CONNECTION » ressemble esthétiquement aux séries télé des seventies du style « KOJAK » ou « BARETTA ». Mais on sent dès les premières scènes une volonté de réalisme, un refus du spectaculaire ou du pathos. Même la longue poursuite en bus est filmée façon reportage, sans cascades extravagantes.

Sur presque deux heures, l’histoire de ce flic suspendu, enquêtant sur la mort de son ancien co-équipier mêlé à un trafic d’armes avec des gangsters portoricains, peut sembler longuette et parfois soporifique. Mais le film vaut d’être vu pour la prestation hors du commun de Duvall. Si Hackman avait proposé une image « pittoresque » et hautement efficace de son ‘Popeye Doyle’, Duvall donne de son ‘Eddie Ryan’ une interprétation beaucoup moins oscarisable : flic de terrain bedonnant, taiseux, sans charme, sans humour, sans affect, il n’existe que pour son job et ira jusqu'à sacrifier la femme qu'il aime à son obsession. Avec une rigueur sans faille, Duvall immergé dans son personnage, le montre tel qu'il est : un besogneux méchant comme une teigne, parfois irresponsable, loin d’être aussi sympathique qu’un héros de polar se doit de l’être. À ses côtés, d’excellents seconds rôles comme Verna Bloom en fille simple et malmenée, Henry Darrow en caïd lettré et le véritable Eddie Egan en commissaire le cul entre deux chaises.

Typique de son époque, tiraillé entre son look télévisuel et ses velléités de sérieux dans le discours et le traitement des protagonistes, « POLICE CONNECTION » a incontestablement vieilli, il tire à la ligne, mais l’admirateur de Duvall ne le manquera pour rien au monde.

Il est « officiellement » établi que Dario Argento a signé ses chefs-d’œuvre pendant les premières années de sa carrière et que ses films tournés sur le tard sont tous désastreux. À bien y regarder, ces fameux premiers opus ne sont pas tous irréprochables. Loin de là ! « 4 MOUCHES DE VELOURS GRIS » par exemple est une sorte de ‘whodunit’ laborieux et au scénario désarmant d’ingénuité, qui prend pour héros un vague rocker mâtiné de hippie, pris pour cible par un tueur masqué qui le fait d’abord chanter et s’attaque ensuite à son entourage.

L’histoire est squelettique, les péripéties sont plus que rares, les coups de théâtre involontairement hilarants et il est clair que le réalisateur n’a fait que se préparer de longues plages essentiellement visuelles où l’image prend le pas sur le récit, un peu comme le fera aussi le jeune Brian DePalma. Ce qui donne à l’écran d’interminables scènes de « suspense » où des personnages avancent à tâtons dans la pénombre, jusqu'à ce qu'ils se prennent un coup de massue ou de couteau.

Le casting est des plus bizarroïdes : l’Américain Michael Brandon – sorte d’avatar de Mike Brant – joue un protagoniste impavide et sans aucune personnalité, traversant les séquences comme une silhouette découpée dans le contreplaqué. À ses côtés, Jean-Pierre Marielle compose un personnage quelque peu absurde de « privé » gay tout vêtu de blanc, Mimsy Farmer fait ce qu'elle peut et sa scène finale est une telle bouillie psychanalytique, qu’on ne peut que la louer d’être allée jusqu'au bout. On a même droit à Bud Spencer dans un rôle mal défini d’ermite ange-gardien omniscient – ah, oui ! Il s’appelle… ‘Dieu’ – qui va et vient sans rime ni raison et croque tout cru un poisson qu'il vient de pêcher !

Il est certain que l’ami Dario a fait mieux. Il a aussi fait pire. Mais « 4 MOUCHES DE VELOURS GRIS » (un joli titre, ceci dit) vaut pour quelques images-choc comme l’exécution au cimeterre qui revient en rêve ou l’accident final. Pour le reste, il faut être très très fan du maestro ou indulgent de nature.

« LE SECRET » est un curieux thriller kafkaïen, focalisé sur un mystérieux fugitif dont on ne saura pratiquement rien, hormis qu'il est traqué par « l’État » pour avoir découvert quelque chose de terrible. Du moins à ce qu'il raconte. L'homme se réfugie dans la montagne, chez un couple d’ermites qu'il va entraîner dans sa course folle vers la mort.

Entièrement – ou presque – concentré sur le trio, « LE SECRET » tient en fait sur les épaules de Jean-Louis Trintignant grand spécialiste des rôles d’hommes traqués. Les auteurs ont intelligemment utilisé son ambiguïté naturelle en laissant planer le doute sur ce qu'il est vraiment : l’innocente victime d’un complot aux ramifications effrayantes ou un mythomane paranoïaque et dangereux. D'ailleurs, plus le film avance, plus l’acteur joue en virtuose sur les deux tableaux en même temps, l’un n’empêchant d'ailleurs pas l’autre ! Étonnante interprétation qui maintient l’intérêt à elle seule. Philippe Noiret et Marlène Jobert jouent un couple mal assorti, sans avoir réellement de grain à moudre, mais leur métier et leur présence familière donnent un peu d’épaisseur à leurs personnages.

Bien filmé et photographié, le film pâtit de détails qui le plombent, comme certains seconds rôles atrocement mal interprétés, par ce choix discutable de quitter le trio pour des séquences parallèles ennuyeuses et purement informatives qui font décrocher. Mais le plaisir de retrouver la fine fleur des acteurs français de l’époque, d’entendre la BO d’Ennio Morricone et de voir Trintignant dans ses œuvres, nous fait oublier ces menues misères.

Un simple coup d’œil au générique de « CRI DE TERREUR » suffirait à le faire estampiller film-culte de « WWW ». Grande est donc la déception de découvrir qu'il n’en est rien. Au lieu du suspense de série B âpre et tendu qu’on espérait, on n’a qu’un pensum mou et lent, presque télévisuel, qui n’arrive jamais à prendre vie et dont le casting de rêve est ridiculement sous-utilisé, quand ce n’est pas carrément gaspillé.

Le maître-étalon de ce genre de scénario demeure « LA MAISON DES OTAGES » de William Wyler. Ce film n’en est qu’une pâle variante : des malfrats prennent une famille en otage en organisant un complot à l’aide de mini-bombes placées dans des avions. C'est trop fastidieux à détailler, mais l’essentiel du métrage est consacré à l’épouse apeurée (Inger Stevens, qui n’a jamais été aussi mal dirigée) qui tente d’échapper à un des voyous (Neville Brand), un violeur patenté à moitié abruti de benzédrine et aux tentatives d’évasion du mari (James Mason, très mal casté) au nez et à la barbe des ravisseurs. Sans oublier la laborieuse enquête d’agents du FBI chez… les dentistes new-yorkais.

Tout cela est mécanique, prévisible, d’une inertie soporifique et on s’attriste de voir Rod Steiger en « cerveau » de la bande, grassouillet et binoclard, singer la diction nasale et les marmonnements de Brando, tandis que notre chère Angie Dickinson joue une complice sadique et sans scrupule. Eh oui ! Tout ce (très) beau monde réuni pour… pas grand-chose. Même la poursuite finale dans le métro est tellement mal filmée et montée, qu’on ne la suit qu’en bâillant, déjà assommés par 90 minutes de somnolence. Rageant !

Coécrit, coproduit par John Cusack qui tient le personnage principal et a donné un rôle à sa sœur Joan ainsi qu’à divers membres de sa famille, « GROSSE POINTE BLANK » a tout du ‘vanity project’ de star à la mode. Mais heureusement, sa singularité évite une trop grande complaisance, même si l’omniprésence de l’acteur peut irriter par instants.

C'est une sorte de greffe contre-nature entre la comédie dramatique à la Lawrence Kasdan et les films de ‘hitmen’ à la John Woo. Un tueur à gages en proie au doute existentiel revient dans sa ville natale pour assister à la fête des anciens du lycée et retrouve son ex-copine dont il est toujours amoureux.

Le film fonctionne par son humour pince-sans-rire, ses bouffées d’émotion et une justesse dans l’étude de caractères. Mais le mélange de genres a du mal à se faire réellement. Les fusillades apocalyptiques ont toujours l’air incongrues et brisent un ‘mood’ général plutôt mélancolique. Même chose pour les seconds rôles comme Dan Aykroyd en vieux tueur syndiqué, Alan Arkin en psy terrorisé ou Hank Azaria en agent de la CIA pas futé, qui jouent sur le ton de la grosse parodie. Tout cela laisse la sensation d’un cocktail qu’on n’aurait pas suffisamment mélangé et dont on sentirait trop le goût de chaque ingrédient sans qu'ils ne s’harmonisent.

Cusack est très bien en ‘mechanic’ à l’étrange comportement sincère et candide, tout de noir vêtu. Il a d’excellentes scènes avec sa mère à l’hospice par exemple et avec la piquante Minnie Driver. Mais il a tout de même tendance à se regarder jouer et à s’écouter parler, ce qui plombe souvent le rythme du montage.

Au bout du compte, « GROSSE POINTE BLANK » laisse sur un sentiment mitigé, mais parvient envers et contre tout à faire entendre sa petite musique. Ce qui après tout, n’est déjà pas rien.