« CERTAINS SECRETS DOIVENT RESTER ENFOUIS » affirme solennellement la ‘tagline’ sur le DVD. Très juste ! Le secret de l’existence de « DEAD MINE », par exemple. En voilà un qui n’aurait jamais dû être exhumé.

Vendu comme une sorte d’avatar de « THE DESCENT » à la sauce indonésienne, ce film fourre-tout glane ses maigres idées dans « ALIENS » (comme d'hab), « PREDATOR » et autres classiques du ‘survival’ en jungle et en sous-sol, pour aboutir à une bouillie totalement sidérante.

Ça commence comme une chasse au trésor dans un ancien bunker japonais de la WW2, puis cela devient une espèce de course-poursuite molle quasiment pas scénarisée : une demi-douzaine de personnages errent au hasard dans des décors hideux, trop éclairés, sans aucun mystère en braquant des armes et découvrent des zombies génétiquement modifiés portant des muselières à la Hannibal Lecter. Mais ce n’est pas tout ! Car au fond, les zombies ne sont pas les vraies menaces (attendez ! Ne partez pas !), pas plus que l’officier japonais centenaire qui ignore que la guerre est finie (sic !). Non, la VRAIE menace, c'est une garde impériale formée de samouraïs auxquels on a injecté de l’or fondu. Enfin, plus ou moins…. Grosso-modo… Pas sûr d’avoir tout pigé…

Voilà. « DEAD MINE » est un vrai, un gros, un pur nanar. Laid, mal photographié, joué de façon abyssale par des acteurs qu’on espère amateurs, soporifique de la première à la dernière image. Pas même le genre de série Z dont on peut se gausser entre amis lors d’une soirée arrosée. De quoi faire passer la sequel de « THE DESCENT » pour du Kubrick !

On lit le ‘pitch’ de « MAD DETECTIVE » et on se dit « Encore une histoire de flic sur la piste d’un serial killer ! Encore un ex-poulet aux méthodes bizarres ! ». Mais on a tort. D’abord parce qu'il y a la signature de Johnnie To qui devrait nous mettre la puce à l’oreille et ensuite parce qu’on est à Hongkong et pas dans un sous-David Fincher U.S. de plus.

Sous des dehors de polar, c'est un film d’auteur complètement barré, qui nous fait admettre en quelques minutes un postulat délirant : l’ex-inspecteur Ching Wan Lau – remarquablement excentrique – mis à la retraite après s’être tranché l’oreille pour l’offrir à son commissaire, voit non seulement des « dead people », mais aussi des « démons » qui accompagnent tout un chacun et il voit même ce qu’on est au fond de soi et qu’on cherche à cacher. Ainsi, le jeune flic qui vient le tirer de sa tanière lui apparaît-il comme un petit garçon apeuré. Est-ce clair ? Pour être tout à fait honnête, pas toujours ! Mais comme souvent chez To, on abandonne vite ses habitudes et ses repères pour se laisser bercer par un univers décalé, irréel, entre rêve et réalité. Certains moments sont d’une maestria inouïe, comme ce dîner à quatre changeant constamment de point de vue, pendant lequel on comprend progressivement que les convives ne sont en fait que trois, que l’un d’eux n’existe que dans l’imaginaire malade du « mad détective ». C'est dérangeant, fascinant, déstabilisant. Et complètement imprévisible. Ce qui fait que, même quand on est un peu largué, on reste scotché parce que tout est possible.

C'est joliment cadré, filmé dans une pénombre bleutée, la BO est envoûtante et on a même droit à la fin au ‘climax’ emblématique des polars hongkonguais : trois types (et leurs démons !) en train de se braquer les uns les autres avant l’explosion de violence inévitable.

Que c'est bon un polar, quand c'est bon !

À voir « THE MAN FROM NOWHERE », on ressent le même genre d’excitation que lors de la découverte des premiers John Woo arrivés en France. Mais ce film coréen fait preuve d’une maturité exceptionnelle, ne cède à aucun chichi décoratif, esquive les ralentis, les fusillades à deux flingues aux chargeurs illimités et autres glissades sur le dos. Ici, tout est au service de l’histoire qui – bonheur inespéré – est bien construite, prend soin de camper de vrais personnages et a même l’élégance de ne pas tout expliquer à grands coups de tirades dialoguées.

Le héros, une sorte de super-soldat des services secrets retiré du monde et devenu… prêteur sur gages, planqué derrière une frange qui lui dissimule le visage, est magnifiquement campé par Bin Won, d’une sobriété et d’un charisme stupéfiants. Il réussit à dégager le danger, l’ambiguïté qu’a toujours recherché un Keanu Reeves par exemple, sans jamais y parvenir tout à fait. Une belle et simple idée de réalisation le rend quasi-mythique : la plupart du temps, on ne le voit pas agir. On ne voit que le résultat (dévastateur) de ses actions. Un peu cette vieille technique utilisée dans les westerns : le montage évitait de montrer le héros en train de dégainer. On le voyait directement faire feu, ce qui donnait une impression d’extrême rapidité. C'est le même principe remis au goût du jour. La relation de cet homme en noir avec la fillette mal-aimée est dépourvue de guimauve et de sentimentalisme à deux balles (point faible de Woo). Elle est l’enfant qu'il n’a jamais pu avoir et pour elle, il reviendra dans le monde des vivants, pour semer la mort.

À noter le formidable Nemesis qu’est cet homme de main impassible, aussi sanguinaire qu’inattendu dans ses réactions. Là encore, son acte héroïque ne sera pas montré. Juste sa conséquence. On ne sent pas les deux heures passer, on reste accroché à son siège, on ne voit rien venir. C'est devenu tellement rare qu’on n’a même pas envie de chercher la petite bête. « THE MAN FROM NOWHERE » est un festin pour l’amateur de vrais polars à la diète depuis trop longtemps.

« THÉRÈSE RAQUIN », le roman de Zola, a déjà donné lieu a pas mal d’adaptations et a influencé tout un genre : le ‘film noir’. Quand le réalisateur de « OLD BOY » s’en empare, c'est pour le mixer avec la mythologie du vampire, elle-même remise au goût du jour par une assimilation à un virus.

C'est dire que « THIRST, CECI EST MON SANG » est un drôle de film. Que l’action se situe en Corée est déjà dépaysant en soi, que le héros en soit un prêtre est encore plus bizarre, mais c'est finalement le ton adopté par Chan-wook Park qui déroute le plus : le film démarre lentement, de façon assez réaliste, puis évolue par à-coups dans une violence ouatée, de plus en plus dérangeante, un érotisme franchement glauque, sans omettre quelques dérapages déstabilisants dans le burlesque. Le résultat pour inégal qu'il soit, est constamment fascinant. « THIRST » est un film-mutant dans lequel on s’enlise progressivement à mesure qu’on perd ses repères.

Le scénario multiplie les pistes, les sous-intrigues (les adorateurs du prêtre « miraculé », qui ne trouvent jamais vraiment leur place dans l’action), les F/X sont simples mais souvent efficaces, mais le rythme excessivement lent peut rebuter.

Dans un casting homogène, on retiendra le formidable numéro d’Ok-bin Kim, la « Thérèse » locale : présentée en Cosette maltraitée et étouffée par une marâtre et un mari débile, elle évolue en bombe sexuelle à retardement et finit son parcours en buveuse de sang ahurissante de sauvagerie.

Quelques scènes comme le carnage dans l'appartement, l’épilogue sur la falaise, sont très marquantes. D’autres idées comme l’intrusion du fantôme du noyé pendant les coïts des amants sont (volontairement ?) grotesques. « THIRST » laisse une sensation d’œuvre semi-improvisée, un peu folle, mais d’une réelle et profonde étrangeté.

Si « LES 7 MERCENAIRES » est une transposition assumée des « 7 SAMOURAÏS », « POUR UNE POIGNÉE DE DOLLARS » est bel et bien un remake inavoué de « YOJIMBO » (également connu en France sous le titre « LE GARDE DU CORPS »), jusque dans le moindre détail. Et on peut même déceler çà et là les germes de tout le cinéma de Sergio Leone : les duels interminables dans les bourrasques de poussière, la façon qu'a Sanjuro de porter le kimono, lui donnant l'air d'un manchot (surnom de Clint Eastwood dans « …ET POUR QUELQUES DOLLARS DE PLUS ») et même la branche que mâchouille le samouraï au début du film, annonçant clairement le célébrissime cigarillo. Le personnage de Tatsuya Nakadai avec son colt U.S. crée un pont supplémentaire avec le western.

Le thème de « YOJIMBO » est connu et a souvent resservi ne serait-ce que dans « MILLER’S CROSSING » ou « DERNIER RECOURS ». Mais c'est l'extrême stylisation de la mise en scène d’Akira Kurosawa, sa maîtrise du cadre et la performance de Toshirô Mifune, exceptionnel en mercenaire dépenaillé et vieillissant, à la fois spectateur et manipulateur, qui font de ce film un pur chef-d'œuvre de cinéma. La BO est très étonnante, le ‘gore’ penche vers la farce (le chien avec une main coupée dans la gueule), et les seconds rôles sont parfois burlesques (le gros frère vantard). Un grand film baroque, qu'aucun remake n'est parvenu à supplanter.

Sorti deux ans plus tard, « SANJURO » tourné par la même équipe et avec le même protagoniste est un film très différent : moins baroque, moins stylisé, plus rapide et humoristique, il se déroule comme une longue partie d'échecs, où des camps adverses se manipulent les uns les autres sous la férule de deux samouraïs-mercenaires antagonistes mais quasi jumeaux.

Ce qui surprend avant tout, dans « SANJURO », c'est la cocasserie des seconds rôles : la femme du gouverneur pacifiste et précieuse qui influence le comportement de Sanjuro, les neuf jeunes crétins exaltés toujours prêts à foncer droit dans le mur (comment ont-ils pu survivre aussi longtemps, avant l'arrivée du ronin ?), le garde « repenti » qui passe tout le film à sortir et rentrer dans son placard et se montre bien plus futé et utile que ses geôliers en perpétuelle effervescence, etc. Mifune lui-même, de plus en plus cradingue, mal embouché et désinvolte, pousse son personnage de « YOJIMBO » à l'extrême limite du pastiche. Autre revenant de ce film, mais dans un autre rôle, le grand Tatsuya Nakadai joue son nemesis constamment dupé, sans jamais perdre sa dignité.

Film sur les apparences trompeuses, la nostalgie des idéaux perdus, la fatalité de la violence, « SANJURO » n'a pas tout à fait l'aura de son prédécesseur, mais n'est en rien indigne de lui. Délectable.

Notons que si Le premier film annonçait de façon aveuglante les prémices du cinéma de Leone, la dernière giclure de sang de « SANJURO », inattendue et monstrueuse, a probablement dû marquer Sam Peckinpah.