Des films sur l’IRA, on en a vu beaucoup. Des sérieux, des thrillers à l’américaine, des quasi-documentaires, des « films d’auteur », le thème a été traité à toutes les sauces.

« SHADOW DANCER » ne révolutionne rien et provoque d’emblée une certaine lassitude : on a déjà vu bien des fois ces décors lugubres, ces pubs enfumés, ces personnages ambigus. Qu’a-t-il de neuf pour éveiller l’attention émoussée ? À vrai dire, pas grand-chose. La photo désaturée est tristounette, le rythme inutilement lent, les personnages s’avèrent tellement opaques qu'ils en deviennent fantomatiques.

À bien y regarder, si on suit le film avec un relatif intérêt, c'est d’abord pour la jeune et étrange Andrea Riseborough, dont l’intériorité et la maturité de jeu impressionnent. Dans ce personnage fermé à double-tour sur lui-même, dévasté par la culpabilité, fort et friable, elle fait preuve d’une présence épatante et justifie toute l’entreprise. Face à elle, le fiable Clive Owen adopte un sous-jeu payant à la longue, mais guère palpitant. Et on déplore une fois de plus que Gillian Anderson en soit réduite à jouer les utilités dans un petit rôle sans le moindre gros-plan.

Quelques séquences surnagent comme l’arrestation de ‘Collette’ ou la presque exécution dans une cave par ses propres frères d’armes, la fin surprend vraiment par sa dureté implacable. Mais « SHADOW DANCER » laisse sur une sensation mitigée de déjà-vu (pour reprendre l’expression de nos amis anglo-saxons) et de sinistrose.

« LA BÊTE S’ÉVEILLE » est le premier des cinq films que Joseph Losey tourna avec Dirk Bogarde en vedette. C'est une sorte de huis clos à trois personnages, un triangle faisant se confronter un psy qui recueille chez lui le voyou qui l’a agressé dans la rue et la femme du thérapeute qui tombe amoureuse de l’intrus. Situation potentiellement captivante, évidemment atténuée par la censure de l’époque. Car il paraît clair que le jeune homme séduit tour à tour le médecin lui-même et sa femme, se partageant probablement – c'est implicite – leurs faveurs.

C'est élégamment filmé et photographié, mais le casting pour intrigant qu'il soit, pose tout de même problème : Bogarde à 33 ans, n’incarne pas vraiment l’idée qu’on se fait immédiatement d’un délinquant juvénile hanté par son passé. Mais ce qu'il perd en dangerosité et en animalité, il le gagne en ambiguïté et en intelligence perverse. Face à lui, Alexander Knox, acteur particulièrement inexpressif et froid, ne parvient pas à donner vie et complexité à son rôle. Quant à Alexis Smith, transfuge du ‘film noir’ U.S., elle en fait des mégatonnes, roulant des yeux dégoulinants de rimmel et se mordant les poings à en faire verdir de jalousie Joan Crawford et Bette Davis réunies.

Si on sourit souvent à la description minutieuse de la psychanalyse subie par le « sauvageon » cravaté, si on rit même franchement à sa confession qui rappelle « LA GUÉRISON DES DALTON » de Goscinny, le film n’en demeure pas moins accrocheur et soigneusement confectionné. À condition d’être réceptif bien sûr et dans la perspective de la carrière si sinueuse et variée de son réalisateur.

« À MAIN ARMÉE » est un singulier western australien dont les origines littéraires se manifestent par un déroulement déstructuré, une certaine difficulté à déterminer qui est le protagoniste principal.

C'est l’histoire des deux fils d’un vieux hors-la-loi de la bande du capitaine ‘Starlight’ (Peter Finch) : une tête brûlée (Ronald Lewis) et un gentil et docile (David McCallum), qui se retrouvent pourchassés par la police plus ou moins malgré eux, alors qu'ils n’aspirent qu’à émigrer en Amérique. Si le scénario ne présente pas un intérêt fulgurant, le film parvient à tenir la distance grâce à ses paysages australiens : des déserts de rocaille, des squelettes d’arbres aux formes tourmentées, des montagnes lugubres. À peine si on aperçoit un malheureux kangourou ! Cet aspect spectral de l’environnement pratiquement dépourvu de présence humaine, donne une ambiance étrange à ce film autrement plutôt banal et sans densité. Dommage alors que le film ait été tourné en format carré, là où le CinémaScope s’imposait d’aveuglante façon.

Premier au générique, Finch n’apparaît que relativement peu dans un rôle de brigand charismatique et élégant, alors que le jeune McCallum en cinquième position, s’impose malgré tout comme le rôle principal. Mystère des crédits…

À noter une des premières apparitions de Jill Ireland, toute fraîche dans un rôle de pure jeune fille dont McCallum (alors son époux à la ville) tombe amoureux. Amusant de voir qu’avant Charles Bronson, Miss Ireland tournait déjà avec son premier conjoint ! Une vocation…

« À MAIN ARMÉE » ne serait donc qu’un western de série, s’il ne se déroulait pas dans ces extérieurs étonnants de désolation et de solitude. Mais quel que soit le continent, on retrouve les mêmes archétypes, les lyncheurs, les détrousseurs de diligences, les saloons, etc.

Dans la continuation directe, thématique et visuelle de ses deux classiques « LE TROISIÈME HOMME » et « HUIT HEURES DE SURSIS », Carol Reed signe avec « L'HOMME DE BERLIN » un ‘film noir’ situé en Allemagne pendant la Guerre Froide et brosse le portrait d’un individu déchiré et privé de tout repère moral ou affectif, à l’image de son pays dévasté.

Ce qui frappe avant tout, c'est la beauté des décors et des cadres : la photo en clair-obscur est envoûtante, la caméra légèrement penchée dans les séquences d’action ou de suspense, crée un malaise discret mais constant. Tout le film est empreint d’une terrible paranoïa, d’une sensation d’étouffement, dues en partie à ces extérieurs de ruines et de misère. Mais si le film fascine encore autant, c'est certainement grâce à la performance de James Mason. Roi de l’ambiguïté, empereur de l’ambivalence, l’acteur – qui maintient un accent allemand tout à fait convaincant tout du long – compose un personnage à deux visages, aussi séduisant qu'il est répugnant, aussi fascinant que repoussant. C'est tout le génie de Mason d’arriver à demeurer attachant, alors que la seule justification à ses actes infâmes, est qu'il fut traumatisé pendant la guerre. Pas parce qu'il a subi, mais… parce ce qu'il fut contraint de faire !

Face à lui, la jeune et ravissante Claire Bloom joue les ingénues avec finesse, une « candide » qu’on voit progressivement contaminée par le vénéneux séducteur. Hildegarde Neff est également excellente en femme hantée par les spectres du passé.

Le scénario met lentement ses éléments en place, fait monter la pression et consacre son dernier quart à une chasse à l'homme (et à la femme !) dans la nuit berlinoise, où chaque visage est une menace, chaque recoin recèle un piège.

On n’est pas près d’oublier l’image récurrente de ce gamin à vélo, qui arpente inlassablement la ville, passant de l’Est à l'Ouest comme un messager de mort.

Étrange film que ce « CASTAWAY », signé par Nicolas Roeg coutumier des œuvres décalées et obscures. Le scénario joue sur le vieux fantasme de l'homme civilisé, à savoir le retour à la Nature. Ici, un quadragénaire anglais « engage » une inconnue pour partir un an sur une île déserte. Ce qui commence comme une belle aventure à la Robinson Crusoë va s’avérer beaucoup moins ‘glamour’ que prévu, les vraies personnalités vont se révéler dans les difficultés et nos deux aventuriers vont comprendre à leurs dépens ce qu’écrivait Sartre : « L’enfer, c'est les autres ».

C'est avec une sorte de fascination morbide qu’on observe ces deux individus se décomposer progressivement sous nos yeux, en proie aux infections, à la sécheresse, à leur propre antagonisme. Que voulait dire Roeg, exactement ? Que l'homme n’est plus capable de faire marche-arrière ? Que le jardin d’Éden lui est fermé à jamais ? C'était probablement vrai en 1986 et certainement encore plus avéré aujourd'hui.

Ce trip ensoleillé n’a donc rien d’exotique ni de réjouissant. Mais Oliver Reed rouquin et hirsute, est formidable d’authenticité dans un rôle complexe qu’on imagine très proche de sa véritable personnalité. Aucun film n’a autant collé à ses expressions, ses coups de folie, son caractère volatile. Face à lui, la belle Amanda Donohoe tient largement la distance et nul ne songera à nier l’impact de sa très photogénique nudité bronzée. Ils ont ensemble plusieurs scènes d’une intensité dramatique assez soufflante.

« CASTAWAY » n’est pas un film facile d’accès, ni toujours très clair dans son discours, mais à l’instar de « AGE OF CONSENT » auquel il fait souvent penser, il nous immerge et nous fait voyager. Déjà pas mal !

À NOTER : lors des séquences à Londres au début, Oliver Reed et ses enfants regardent à la télé de longs extraits de « LE MANGEUR DE CITROUILLES ».